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sábado, 1 de marzo de 2014

Philomena

 

El amor maternal es una de las fuerzas más grandes que existen. Es una fuerza que no olvida, que no pasa, que no cambia. Philomena es una madre que, hace cincuenta años, perdió a su hijo. Es una madre católica, que es perseguida por su culpa y su pecado, pero es una madre que ama incondicionalmente a su hijo. Philomena es una historia agridulce, conmovedora, triste y nostálgica. Es la historia de una madre descubriendo a su hijo por largos años perdido. A lo largo de este post haré algunos spoilers que considero necesarios, puedes detenerte en este momento si no deseas que arruine tu experiencia, y volver a leerlo luego que la hayas visto. Te adelanto que es una de las mejores películas de un año lleno de las mejores, una experiencia técnica y sentimental.

Philomena, interpretada a la perfección por Judi Dench, se parece a mi mamá. Reza todos los días, piensa en el castigo divino y fue enfermera por más de treinta años. Inclusive se parece mucho físicamente a mi mamá, lo que la hace muy creíble, por lo menos para mi. La diferencia de mi madre y  Philomena es su secreto, que ha llevado con culpa y dolor durante cincuenta años: cuando era adolescente quedó embarazada y entregó su hijo a un convento para darlo en adopción, donde además acordó a trabajar bajo condiciones de esclavitud que ella misma agradece. Philomena vió a su hijo partir del convento, entregado por una hermana superiora cruel y prejuiciosa, que no conoce la piedad y la caridad, a una familia de la que nada sabe y que no logra conseguir  por cincuenta años. Pero no olvida. Ahí comienza esta historia de amor pero del  verdadero, más allá de la pasión del sexo. Una historia poderosa y muy cercana a todo ser humano que siente y vive cualquier forma de relación con su madre.

Debo confesar que lloré. Considero que la película, basada en una historia real, por momentos es muy dificil de soportar. Philomena vive su pecado y su castigo, y se encarga de mostrarlo, pero no se auto flagela. Pero además es su actitud optimista ante la fatalidad de su vida la que me asombra. Ayudada por un reportero agnóstico, Philomena ubica su hijo para descubrir la verdad más temida, que ya estaba muerto. Un hijo que no ve desde hace cincuenta años, que nunca conoció y que ya perdió, pero siempre ha amado. Y allí comienza el brillo increíble de esta historia que no pensé que pudiera ser tan conmovedora, cuando Philomena comienza a conocer a su hijo como una narración del pasado, uniendo fotos y experiencias de aquellos quienes convivieron con él, sintiéndose esperanzada, orgullosa, compungida y conmovida por su historia. Es sorprendente la escena donde Philomena se entera que su hijo era homosexual, ya que uno espera alguna reacción en su rostro, y sin embargo ella resulta inalterada por tal noticia. La sorpresa viene de que ella, como madre, confiesa haberlo sabido de siempre y perdió a su hijo cuando era muy pequeño. Esa confesión conduce a pensar en el tiempo que ha dedicado ella a pensar en su hijo, en los detalles que vio de él en sus primeros años y en como lo ha recordado  durante todo este tiempo.

La película es un terreno para discutir temas desde distintos puntos de como la validez de la religión, el pecado, la homosexualidad, la muerte, la humanidad, la felicidad, el perdón y la piedad. Sin embargo el tema más fuerte de esta película es el amor. Creo que es una película excelente, está llena de detalles que hacen a sus personajes creíbles y multidimensionales, y tiene una fotografía y edición que logran empapar al espectador de las emociones que persigue. Y aunque algunos personajes antagonistas fueron desarrollados para generar un clímax en la narración, aún así logran explicar los momentos y la vida de esta mujer que es como mi madre.

Lo mejor: Judi Dench.

Mi calificación: 18 de 20. No olvidaré esta película.

viernes, 28 de febrero de 2014

Los Premios de la Academia 86 (86th Academy Awards)

 

Los premios de la academia 86, que se celebran el 2 de marzo de 2014, son interesantes porque es la primera vez en la historia que una película de ciencia ficción tiene la oportunidad real (aunque yo pensé que Avatar tenía oportunidad) de ganar el oscar de mejor película (y me refiero a la hiperrealista representación de un accidente en el espacio Gravity, una de mis películas favoritas de la vida) y posee DOS nominados a Mejor Película que describen historias de ciencia ficción (Gravity y Her). Además, este año posee contendientes en cada categoría que son lo mejor del cine y la industria, y cada categoría está cerrada lo que da muchas expectativas y generará muchas sorpresas en la noche de los premios.

Quiero aclarar que mis predicciones están basadas en la observación del ruido que ha hecho cada nominado en los últimos tres meses, en los resultados de las premiaciones previas de la temporada y de mi opinión personal de cada película. A continuación, sin mas dilación, los ganadores que veo para la noche del 2 de Marzo de 2014

Mejor Película

Mi Predicción: Gravity

Mejor Dirección

Mi Predicción: Gravity

 

Mejor Actriz Protagonista

Mi Predicción: Cate Blanchett

 

Mejor Actor Protagonista

Mi Predicción: Matthew McConaughey

Mejor Actriz de Reparto

Mi Predicción: Jennifer Lawrence

Mejor Actor de Reparto

Mi Predicción: Jared Leto

Mejor Película en idioma extranjero (no inglés)

  • "The Broken Circle Breakdown" - Bélgica
  • "The Great Beauty" – Italia
  • "The Hunt" – Dinamarca
  • "The Missing Picture" - Cambodia
  • "Omar" – Palestina

Mi Predicción: The Great Beauty (Italia)

 

Mejor Guión Adaptado

Mi Predicción: 12 Years a Slave

 

Mejor Guión Original

Mi Predicción: Her

 

Película Animada

  • "The Croods"
  • "Despicable Me 2"
  • "Frozen"
  • "The Wind Rises"
  • "Ernest & Celestine"

Mi Predicción: Frozen

 

Diseño de vestuario

Mi Predicción: The Great Gatsby

 

Maquillaje y Peinados

  • "Dallas Buyers Club"
  • "Jackass Presents: Bad Grandpa"
  • "The Lone Ranger"

Mi Predicción: Dallas Buyers Club (aquí me atrevo a hacer una nota, creo que es muy posible que gane Jackass pero no veo la manera que la academia le de un Oscar a ese tipo de películas, así que cambio mi predicción a Dallas Buyers Club)

Mejor Diseño de Producción

Mi Predicción: The Great Gatsby

 

Cinematografía

  • "The Grandmaster"
  • "Gravity"
  • "Inside Llewyn Davis"
  • "Nebraska"
  • "Prisoners"

Mi Predicción: Gravity

 

Mejores Efectos Especiales

  • "Gravity"
  • "The Hobbit: The Desolation of Smaug"
  • "Iron Man 3"
  • "The Lone Ranger"
  • "Star Trek Into Darkness"

Mi Predicción no es necesaria. No hay nada más seguro que este Oscar para Gravity.

 

Mejor Edición

Mi Predicción: Gravity

 

Mejor Edición de Sonido

Mi Predicción: Gravity

 

Mejor Mezcla de Sonido

Mi Predicción: Gravity

 

Mejor Banda Sonora (Score)

Mi Predicción: Gravity

 

Mejor Canción

  • "Let it Go" - "Frozen" - Kristen Anderson-Lopez and Robert Lopez
  • "Ordinary Love" - "Mandela: Long Walk to Freedom" - U2, Letra de Bono
  • "Happy" - "Despicable Me 2" - Pharrell Williams
  • "The Moon Song" - "Her" – Música de Karen O, Letra de Karen O y Spike Jonze

Mi Predicción: Frozen – Let it go

 

Mejor Documental

  • "The Act of Killing"
  • "20 Feet from Stardom"
  • "Cutie and the Boxer"
  • "Dirty Wars"
  • "The Square"

Mi Predicción: 20 feet from Stardom

 

Mejor Documental Corto

  • "CaveDigger"
  • "Facing Fear"
  • "Karama Has No Walls"
  • "The Lady in Number 6: Music Saved My Life"
  • "Prison Terminal: The Last Days of Private Jack Hall"

Mi Predicción: The Lady in Number 6: Music Saved my Life

Mejor Corto Animado

  • "Feral"
  • "Get a Horse!"
  • "Mr. Hublot"
  • "Possessions"
  • "Room on the Broom"

Mi Predicción: Get a Horse!

 

 

 

Mejor Corto no animado

  • "Aquel No Era Yo (That Wasn't Me)"
  • "Avant Que De Tout Perdre (Just before Losing Everything)"
  • "Helium"
  • "Pitaako Mun Kaikki Hoitaa? (Do I Have to Take Care of Everything?)"
  • "The Voorman Problem"

Mi Predicción: Helium

domingo, 23 de febrero de 2014

Saving Mr. Banks (El sueño de Disney)

 

Primero resolveré el elefante en la habitación: la traducción del nombre de la película al español es absurda, comercializadora y simplificadora. Ojalá los cines y compañías en Latinoamérica no se sintieran en la necesidad de llevar a la gente al cine usando palabras convencionales y confiaran en el espectador en vez de subestimarlo. Aquí agitan el nombre “Disney” para hacer que la “familia” se vuelque al cine a ver esta película. Siempre que veo una traducción tan mediocre como esta pienso en el uso de las palabras “Total”, “Fatal”, “Mortal”, “Final”, “Ultimo”, “infernal” que combinadas en formas inconcebibles sirvieron para traducir todos los títulos de películas de acción y terror en los ochentas.

Saving Mr. Banks es una película que me conmovió especialmente porque llegó, desde el primer instante en la primera escena, hasta mi niñez. Las películas de Disney tienen ese efecto en mucha gente, y esta trata, especialmente, de Mary Poppins que cumple en el año 2014 cincuenta años de haber sido filmada, pero gracias a la magia del VHS y de las repeticiones por televisión, la vi por primera vez en 1987. “Supercalifragilisticoespialidoso” competía con mis compañeros de escuela a ver quien podía decirlo bien, porque Mary Poppins fue de esas películas que vi tantas veces que me aprendí los diálogos y que, como todo niño, con el pasar de los años, dejé atrás. Nunca olvidé a Mary Poppins, ni lo que aprendí de esa película, por supuesto.

Saving Mr. Banks Theatrical Poster.jpgSaving Mr. Banks trata de la escritora de los libros de Mary Poppins, P.L. Travers y la relación con Disney cuando, por motivos económicos, se ve “forzada” a vender los derechos para que hagan una película. Esta “batalla” documentada en grabaciones, muestra la resistencia de Travers de vender a su personaje de fantasía debido a la cercanía emocional que siente con la historia que creó: simplemente Mary Poppins es un símbolo de su pasado y su dolor de la infancia, y no quiere que alguien más la profane. La película narra el “presente” de Travers con Disney, pero también ocurre en su mente, en sus recuerdos, en el pasado que ella intenta corregir. Es por eso que el título es importante en la película, porque el padre de los niños que cuida Mary Poppins es Mr. Banks, y la intención de Poppins debe ser salvarlo a él, y en su salvación, corregir el pasado real de Travers una y otra vez,aunque ella sabe que no puede ser corregido. 

Travers, interpretada por Emma Thompson, es una mujer muy disciplinada y seria, dura en el trato y en el carácter. A la vez, un conjunto de emociones vibran en su interior que siempre intenta mantener ocultas y nunca dejar escapar, pero que la acompañan en cada instante. Esa dualidad de estado y el bagaje de recuerdos de Travers fueron atrapados por la interpretación de Thompson con un compromiso formal por darle honor a esta curiosa mujer. Una película con toques agradables de comedia y mucha nostalgia, casi todas en el papel de Thompson. Disney, en cambio, es un empresario, revivido por Tom Hanks que lo interpreta perfectamente, y que trae sus múltiples dimensiones a la película enriqueciendo la interacción entre Travers y Disney.

La película descifra a Travers, sus demonios personales y su infancia y como ellos dieron lugar a Mary Poppins, pero tambien intenta explicar por qué Mary Poppins es tan importante para ella y para Disney, que intentó llevar al cine a este personaje durante más de veinte años. Es una película de regresión a la infancia. Es una película que seguramente hará eco en tu corazón si recuerdas a Mary Poppins, y a Mr. Banks y los céntimos de pan y a los deshollinadores, sin embargo, no creo que tenga la misma profundidad emocional si nunca has visto a Mary Poppins. Es una obra que, explicando el pasado, fortalece a esa gran heroína de la infancia del mundo que es Mary Poppins y al compromiso que Disney tuvo para hacerle honor a su significado. No me atreveré a calificarla porque el niño que fui no pensaba en notas o calificaciones. Solo diré que escuchar su música reinterpretada en piano como baladas es a la vez melancólico y alegre. Esta película es toda una experiencia.

sábado, 22 de febrero de 2014

American Hustle (Escándalo Americano)

 

Hay un principio de la física que se conoce como “efecto del observador” que indica que, en el acto de la medición de una variable, esta medición perturba al fenómeno que se desea observar afectándola en cierta manera. American Hustle trata de algo similar: en la búsqueda de corruptos en Estados Unidos, un agente del FBI conduce a las víctimas a convertirse en corruptas. Es una ironía, por supuesto, ofrecerle cantidades de dinero muy grandes a personas que nunca se han corrompido para hacer una actividad por la que ellos han peleado durante toda su carrera política y que uno va a financiar, y además, insistir. American Hustle tambien, irónicamente, indica que “algunos de los hechos de esa película pueden haber ocurrido”, lo que considero una estupidez ya desde la entrada, cuando la inspiración mezcla experiencias con ideas. Es una declaración de que Russell se inspiró en eventos reales pero hizo la película que quiso, como le dió la gana, una completa obra de ficción.

Five people, three men, two women, dressed in '70s clothes, fading into a black backgroundEs esta una trama que David O. Russell plantea en su guión, y es esta la película para la que busca un reparto excepcional: Christian Bale, Amy Adams, Jeremy Renner, Bradley Cooper y Jennifer Lawrence. No necesitaba este casting, me temo, aunque ayuda mucho a esta película tener a tales estrellas con ese nivel de compromiso por la película; y el producto, más allá de las actuaciones, considero sobrevalorado. Es relevante indicar la transformación corporal de Christian Bale (que pierde y gana peso como lo desea) y el aroma a ridículo que emite, en una actuación donde desaparece el actor. Amy Adams que es sutil en su doble papel y Jennifer Lawrence como lo que más brilla de la película en su neurosis y agresividad pasiva. Es relevante hablar del vestuario, diseño de producción, maquillaje y peinados porque la película logra eficientemente transportar al expectador a la época de los setentas con su estilo tan marcado y sugerente. Pero no es suficiente para hacer de la película una obra resistente al tiempo.

American Hustle es una película lenta, sin un pico y un desenlace importante, como un placer frustrado. Otra vez veo que algunas películas alcanzan fama en las temporadas de premios por opiniones más que por la calidad del filme. No quiero confundir, tecnicamente es una buena obra, con una fotografía, banda sonora, diseño de producción, vestuario, maquillaje, actuaciones destacadas; sin embargo la película es como un nevado de torta que nunca levanta, como un día nublado que nunca se aclara. Es, como he dicho en otros momentos, una película para críticos y no para la gente común.

Creo que David O. Russell es un director que está sobrevalorado, o simplemente no es compatible con mis gustos. El año pasado, Russell presentó Silver Linings Playbook, una comedia romántica (muy estándar según mi criterio y sin nada relevante, mas que las actuaciones) y terminó siendo adorado por la crítica y cubierta con laureles. Este año sucede lo mismo, y en este caso se puede decir que no es suficientemente dramática, irónica, sarcástica, cómica o filosófica para ser una gran película. La juzgo tibia, con acentos en su técnica. Es una película fácil de olvidar, pienso como veredicto.

Mi calificación: 10 de 20. Le diría a David O. Russell:  “no eres tú, soy yo”.

Dallas Buyers Club

La homosexualidad (y la transexualidad) han sido tabú en las sociedades occidentales. Lamentablemente, ese tabú religioso y social se incrementó por la aparición del “cancer gay”, nombre que le fue dado al HIV/SIDA en los ochentas y noventas. Dentro de cuarenta o cincuenta años estoy seguro que la represión y exclusión a la que han sido sometidos los homosexuales, transexuales y otros será tan repudiada por la sociedad como hoy lo es el racismo y el segregacionismo racial, como ahora es repudiada la esclavitud y la opresión de algún tipo. Dallas Buyers Club intenta, de alguna manera, superar ese esquema mental contra la homosexualidad, contando la historia real de Ron Woodroof, que logró defender y comprender a la comunidad homosexual desde que contrajo SIDA y vió la dificultad médica de ser tratado en el comienzo de la epidemia.

Dallas Buyers Club poster.jpgWoodroof, un homofóbico de clase trabajadora que tiene sexo sin protección en múltiples ocasiones y con múltiples  mujeres, que además consume drogas por distintas vías, es diagnosticado con VIH/SIDA avanzado, y descubre, sin ser gay, el rechazo y exclusión de la comunidad homosexual. Acorralado por la prognosis de su diagnóstico que le daba 30 días de vida, Woodroof recurre a sobornos para obtener AZT, un medicamento antiretroviral, y luego, desde su desesperación, es conducido a un doctor sin licencia que cambia su medicamento por uno que no es tan agresivo como el AZT que no es comercializado en USA. Woodroof ve en el medicamento, con su mejoría, una oportunidad de enriquecerse y decide venderla a los pacientes en USA, importándola para su “uso personal”. Así funda el Club de Compradores de Dallas, como una respuesta al tratamiento agresivo y experimental que se usa en los hospitales, y comienza un enfrentamiento con las autoridades médicas del país.

Lo interesante de esta película, más que la historia del hombre con SIDA, es el análisis de la moralidad del personaje, que se convierte en un héroe de la comunidad al vender un medicamento que comercia ilegalmente para enriquecerse, en un principio, y ver como su lucha evoluciona al conocer el valor de la comunidad en la que ahora se desenvuelve. Lo interesante es ver su relación de amistad con Rayon, una joven transexual que conoce en el hospital, y como pasa de tratarla con repulsión a sufrir por el devenir la de la enfermedad de su nueva amiga. Un viaje del personaje a través de un cambio de actitud y percepción de la igualdad, la amistad y la muerte, que lo rodea. El cambio de su ambición personal por un deseo de ayudar a la comunidad, que condujo a la Agencia de Alimentos y Medicinas de Estados Unidos a considerar el uso de medicamentos complementarios.

Con una fotografía tambaleante, la película muestra el estado de salud delicado de Woodroof y de Rayon y su condición sicológica y emocional, con saltos a los recuerdos borrosos y confusos, como el de alguien atormentado o vencido por la enfermedad. Sin embargo, la película es mas grande por sus actuaciones que por su trama. No entiendo mucho los motivos que llevaron a esta película a ser considerada una de las mejores del año, porque más alla de su tema, tratado con justicia, y las actuaciones de Matthew McConaghey y Jared Leto que son geniales, la película es en momentos aburrida y bastante lenta.

Lo mejor: La actuación de Jared Leto como Rayon. Genial.

Mi calificación: 14 de 20. Bueno el tema y buenas las actuaciones, pero no es la mejor película del año y no es tan impresionante.

August: Osage County (Agosto en el Condado Osage)

 

August: Osage County es una puesta en filme de una obra de teatro y mientras la ves, entenderás que es así. Es una comedia negra, por escenas, de la decadencia de una familia cuando uno de sus miembros es tóxico, manipulador y cruel. La película está dirigida por John Wells, mas experto en la televisión que en el cine, sin embargo la dirección es suficiente para este drama familiar. Cuenta con actuaciones increíbles de Meryl Streep, Julia Roberts, Ewan McGregor, Abigail Breslin, Juliette Lewis, Benedict Cumberbatch con papeles que parecen haber sido hecho a la medida para cada uno de ellos.

August: Osage County sigue la vida de una familia matriarcal controlada por Meryl Streep, que se reune luego de la desaparición (y posterior muerte) de su esposo, durante un agosto muy caluroso en el condado Osage. Esta reunión destapa la realidad de esta familia en una cena de funeral, donde el personaje de Meryl Streep descarga sus remordimientos y demonios personales con ataques a sus tres hijas que, como es de esperar, son completamente diferentes de carácter y personalidad. El personaje de Meryl, Violet, sufre de cancer en la boca, como un castigo divino que incrementa la ironía de su crueldad y de su verbo hiriente y despreciable. Las hijas se enfrentan a su madre, cada una a su manera, y la obligan a desintoxicarse de su grave adicción a los calmantes, lo que lleva a un segundo enfrentamiento, esta vez más sutil.

Creo que uno de los fuertes de esta película es mostrar que toda familia está construida sobre la dura verdad de que la casualidad los une. Personas tan diferentes en intereses y necesidades no deberían estar juntas y, paradójicamente, permanecerán unidas para siempre. El amor, claro está, es mas fuerte que las diferencias en muchos casos, excepto en esta película, donde la codicia y egoísmo de Violet ayuda a destruir el inestable núcleo familiar que ella rige.

Dramas personales de diferentes naturalezas componen a este filme. De alguna manera, August: Osage County ataca el mismo tema que Blue Jasmine aunque con un acercamiento diferente, divagando entre la locura, la codicia y el egoísmo que destruye familias. Sin embargo, el enfoque aquí es mucho menos limpio, más caótico y muy amarillista en el drama, aprovechando un conjunto de conflictos simultáneos que revientan a la vez. Simplemente, no hay descanso del caos, y lamentablemente, los personajes no son suficientemente llamativos para sentirse identificado con ellos. Creo que es la mesa donde se sientan y los gritos que se disparan de desprecio y molestia lo que hace alejarse de este caos y de sus personajes.

Con una fotografía que encierra a los personajes en cada escena, encajonándolos, el efecto es de claustrofobia en cada escena, aún en las que ocurren al aire libre. Y con el sometimiento y abuso de Violet, la claustrofobia es peor. Acaso intencional el alejamiento emocional del espectador, esto falla sobre el efecto que debe producir, conduciendo a una observación de la película como una puesta en escena evitando envolverse en la trama. No creo que sea culpa de los actores, que entregaron interpretaciones de calidad, sino del director y del guión, inclusive de la edición, que no lograron suavizar las esquinas de la caja que envolvía a esta familia. Es un mal viaje, un mal paseo en mi opinión personal.

Lo mejor: Las actuaciones, definitivamente, son lo que más hace brillar a esta película que, extrañamente, quisiera olvidar.

Mi puntuación: 12 de 20. El caos hay que administrarlo con mas cuidado.

Blue Jasmine

Una película de Woody Allen, uno de los escritores/directores/productores más polémicos de la actualidad. Una película donde Allen decide explorar la locura a través de giros de trama. Una película para que Cate Blanchett llegue a la gloria. Muchos la tildan de drama, yo la ví como comedia, y muy negra. Una película divertida y enferma, como todas las de Allen.

Jasmine, interpretada por Cate Blanchett, es una mujer de las altas clases sociales de Manhattan que queda arruinada (por motivos que van revelándose progresivamente en la película) y debe mudarse a la casa de su hermana que, por cualquier medida, es de clase media baja. Jasmine, luego de un conjunto de situaciones impactantes y por el trauma de haberlo perdido todo, ha enloquecido de forma apreciable. Constantemente se aisla en su pasado, reviviendo las escenas de su pasado, los diálogos y pierde la conexión con la realidad. Su locura no le quita su sentido común, aunque su pretenciosa y pedante visión de la nueva sociedad que la rodea es por momentos insoportable y por momentos graciosa, decide recuperar parte de su estatus perdido ya con un plan que parece plausible, estudiando y trabajando y aprendiendo a servir mientras tanto. Su ambición es su pérdida, o eso muestra Allen, que la hace jugar con el destino deseado para perderlo por su manipulación y locura. Otras películas de la temporada ya presentan temas similares. Wolf of Wall Street discute problemas de la ambición y August: Osage County describe como la ambición es el camino más corto a la anihilación y soledad. Sin embargo ninguna la presenta con la precisión de Woody Allen y la actuación impecable de Cate Blanchett.

An elegant blonde blue eyed woman, sunglasses on her head, looking to the left.Cate Blanchett es la piedra sobre la que se hizo esta película. Sin ella, Blue Jasmine sería una película más, pero con ella, alcanza los niveles de la genialidad. La mirada vacía y la locura tomando posesión de Cate es tan real que permite envolverse completamente en la narración. La obsesión con las pastillas, sus ataques de pánico, su ambición y egoísmo son perfectamente plasmados en pantalla por su excelente actuación. Me temo que el Oscar de Sandra Bullock por Gravity está discutido, y si alguien puede quitárselo esa es Cate Blanchett.

Lo mejor: La actuación de Blanchett, para disfrutar desde la primera escena, literalmente, hasta la última. Perfecta.Tambien debo decir que las capas de la historia de la vida de Jasmine y como se van removiendo para entender la razón de su locura son de lo mejor

Mi calificación: 16 de 20. Otra película de Woody Allen excelente.