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viernes, 28 de febrero de 2014

Los Premios de la Academia 86 (86th Academy Awards)

 

Los premios de la academia 86, que se celebran el 2 de marzo de 2014, son interesantes porque es la primera vez en la historia que una película de ciencia ficción tiene la oportunidad real (aunque yo pensé que Avatar tenía oportunidad) de ganar el oscar de mejor película (y me refiero a la hiperrealista representación de un accidente en el espacio Gravity, una de mis películas favoritas de la vida) y posee DOS nominados a Mejor Película que describen historias de ciencia ficción (Gravity y Her). Además, este año posee contendientes en cada categoría que son lo mejor del cine y la industria, y cada categoría está cerrada lo que da muchas expectativas y generará muchas sorpresas en la noche de los premios.

Quiero aclarar que mis predicciones están basadas en la observación del ruido que ha hecho cada nominado en los últimos tres meses, en los resultados de las premiaciones previas de la temporada y de mi opinión personal de cada película. A continuación, sin mas dilación, los ganadores que veo para la noche del 2 de Marzo de 2014

Mejor Película

Mi Predicción: Gravity

Mejor Dirección

Mi Predicción: Gravity

 

Mejor Actriz Protagonista

Mi Predicción: Cate Blanchett

 

Mejor Actor Protagonista

Mi Predicción: Matthew McConaughey

Mejor Actriz de Reparto

Mi Predicción: Jennifer Lawrence

Mejor Actor de Reparto

Mi Predicción: Jared Leto

Mejor Película en idioma extranjero (no inglés)

  • "The Broken Circle Breakdown" - Bélgica
  • "The Great Beauty" – Italia
  • "The Hunt" – Dinamarca
  • "The Missing Picture" - Cambodia
  • "Omar" – Palestina

Mi Predicción: The Great Beauty (Italia)

 

Mejor Guión Adaptado

Mi Predicción: 12 Years a Slave

 

Mejor Guión Original

Mi Predicción: Her

 

Película Animada

  • "The Croods"
  • "Despicable Me 2"
  • "Frozen"
  • "The Wind Rises"
  • "Ernest & Celestine"

Mi Predicción: Frozen

 

Diseño de vestuario

Mi Predicción: The Great Gatsby

 

Maquillaje y Peinados

  • "Dallas Buyers Club"
  • "Jackass Presents: Bad Grandpa"
  • "The Lone Ranger"

Mi Predicción: Dallas Buyers Club (aquí me atrevo a hacer una nota, creo que es muy posible que gane Jackass pero no veo la manera que la academia le de un Oscar a ese tipo de películas, así que cambio mi predicción a Dallas Buyers Club)

Mejor Diseño de Producción

Mi Predicción: The Great Gatsby

 

Cinematografía

  • "The Grandmaster"
  • "Gravity"
  • "Inside Llewyn Davis"
  • "Nebraska"
  • "Prisoners"

Mi Predicción: Gravity

 

Mejores Efectos Especiales

  • "Gravity"
  • "The Hobbit: The Desolation of Smaug"
  • "Iron Man 3"
  • "The Lone Ranger"
  • "Star Trek Into Darkness"

Mi Predicción no es necesaria. No hay nada más seguro que este Oscar para Gravity.

 

Mejor Edición

Mi Predicción: Gravity

 

Mejor Edición de Sonido

Mi Predicción: Gravity

 

Mejor Mezcla de Sonido

Mi Predicción: Gravity

 

Mejor Banda Sonora (Score)

Mi Predicción: Gravity

 

Mejor Canción

  • "Let it Go" - "Frozen" - Kristen Anderson-Lopez and Robert Lopez
  • "Ordinary Love" - "Mandela: Long Walk to Freedom" - U2, Letra de Bono
  • "Happy" - "Despicable Me 2" - Pharrell Williams
  • "The Moon Song" - "Her" – Música de Karen O, Letra de Karen O y Spike Jonze

Mi Predicción: Frozen – Let it go

 

Mejor Documental

  • "The Act of Killing"
  • "20 Feet from Stardom"
  • "Cutie and the Boxer"
  • "Dirty Wars"
  • "The Square"

Mi Predicción: 20 feet from Stardom

 

Mejor Documental Corto

  • "CaveDigger"
  • "Facing Fear"
  • "Karama Has No Walls"
  • "The Lady in Number 6: Music Saved My Life"
  • "Prison Terminal: The Last Days of Private Jack Hall"

Mi Predicción: The Lady in Number 6: Music Saved my Life

Mejor Corto Animado

  • "Feral"
  • "Get a Horse!"
  • "Mr. Hublot"
  • "Possessions"
  • "Room on the Broom"

Mi Predicción: Get a Horse!

 

 

 

Mejor Corto no animado

  • "Aquel No Era Yo (That Wasn't Me)"
  • "Avant Que De Tout Perdre (Just before Losing Everything)"
  • "Helium"
  • "Pitaako Mun Kaikki Hoitaa? (Do I Have to Take Care of Everything?)"
  • "The Voorman Problem"

Mi Predicción: Helium

domingo, 23 de febrero de 2014

Saving Mr. Banks (El sueño de Disney)

 

Primero resolveré el elefante en la habitación: la traducción del nombre de la película al español es absurda, comercializadora y simplificadora. Ojalá los cines y compañías en Latinoamérica no se sintieran en la necesidad de llevar a la gente al cine usando palabras convencionales y confiaran en el espectador en vez de subestimarlo. Aquí agitan el nombre “Disney” para hacer que la “familia” se vuelque al cine a ver esta película. Siempre que veo una traducción tan mediocre como esta pienso en el uso de las palabras “Total”, “Fatal”, “Mortal”, “Final”, “Ultimo”, “infernal” que combinadas en formas inconcebibles sirvieron para traducir todos los títulos de películas de acción y terror en los ochentas.

Saving Mr. Banks es una película que me conmovió especialmente porque llegó, desde el primer instante en la primera escena, hasta mi niñez. Las películas de Disney tienen ese efecto en mucha gente, y esta trata, especialmente, de Mary Poppins que cumple en el año 2014 cincuenta años de haber sido filmada, pero gracias a la magia del VHS y de las repeticiones por televisión, la vi por primera vez en 1987. “Supercalifragilisticoespialidoso” competía con mis compañeros de escuela a ver quien podía decirlo bien, porque Mary Poppins fue de esas películas que vi tantas veces que me aprendí los diálogos y que, como todo niño, con el pasar de los años, dejé atrás. Nunca olvidé a Mary Poppins, ni lo que aprendí de esa película, por supuesto.

Saving Mr. Banks Theatrical Poster.jpgSaving Mr. Banks trata de la escritora de los libros de Mary Poppins, P.L. Travers y la relación con Disney cuando, por motivos económicos, se ve “forzada” a vender los derechos para que hagan una película. Esta “batalla” documentada en grabaciones, muestra la resistencia de Travers de vender a su personaje de fantasía debido a la cercanía emocional que siente con la historia que creó: simplemente Mary Poppins es un símbolo de su pasado y su dolor de la infancia, y no quiere que alguien más la profane. La película narra el “presente” de Travers con Disney, pero también ocurre en su mente, en sus recuerdos, en el pasado que ella intenta corregir. Es por eso que el título es importante en la película, porque el padre de los niños que cuida Mary Poppins es Mr. Banks, y la intención de Poppins debe ser salvarlo a él, y en su salvación, corregir el pasado real de Travers una y otra vez,aunque ella sabe que no puede ser corregido. 

Travers, interpretada por Emma Thompson, es una mujer muy disciplinada y seria, dura en el trato y en el carácter. A la vez, un conjunto de emociones vibran en su interior que siempre intenta mantener ocultas y nunca dejar escapar, pero que la acompañan en cada instante. Esa dualidad de estado y el bagaje de recuerdos de Travers fueron atrapados por la interpretación de Thompson con un compromiso formal por darle honor a esta curiosa mujer. Una película con toques agradables de comedia y mucha nostalgia, casi todas en el papel de Thompson. Disney, en cambio, es un empresario, revivido por Tom Hanks que lo interpreta perfectamente, y que trae sus múltiples dimensiones a la película enriqueciendo la interacción entre Travers y Disney.

La película descifra a Travers, sus demonios personales y su infancia y como ellos dieron lugar a Mary Poppins, pero tambien intenta explicar por qué Mary Poppins es tan importante para ella y para Disney, que intentó llevar al cine a este personaje durante más de veinte años. Es una película de regresión a la infancia. Es una película que seguramente hará eco en tu corazón si recuerdas a Mary Poppins, y a Mr. Banks y los céntimos de pan y a los deshollinadores, sin embargo, no creo que tenga la misma profundidad emocional si nunca has visto a Mary Poppins. Es una obra que, explicando el pasado, fortalece a esa gran heroína de la infancia del mundo que es Mary Poppins y al compromiso que Disney tuvo para hacerle honor a su significado. No me atreveré a calificarla porque el niño que fui no pensaba en notas o calificaciones. Solo diré que escuchar su música reinterpretada en piano como baladas es a la vez melancólico y alegre. Esta película es toda una experiencia.

sábado, 22 de febrero de 2014

American Hustle (Escándalo Americano)

 

Hay un principio de la física que se conoce como “efecto del observador” que indica que, en el acto de la medición de una variable, esta medición perturba al fenómeno que se desea observar afectándola en cierta manera. American Hustle trata de algo similar: en la búsqueda de corruptos en Estados Unidos, un agente del FBI conduce a las víctimas a convertirse en corruptas. Es una ironía, por supuesto, ofrecerle cantidades de dinero muy grandes a personas que nunca se han corrompido para hacer una actividad por la que ellos han peleado durante toda su carrera política y que uno va a financiar, y además, insistir. American Hustle tambien, irónicamente, indica que “algunos de los hechos de esa película pueden haber ocurrido”, lo que considero una estupidez ya desde la entrada, cuando la inspiración mezcla experiencias con ideas. Es una declaración de que Russell se inspiró en eventos reales pero hizo la película que quiso, como le dió la gana, una completa obra de ficción.

Five people, three men, two women, dressed in '70s clothes, fading into a black backgroundEs esta una trama que David O. Russell plantea en su guión, y es esta la película para la que busca un reparto excepcional: Christian Bale, Amy Adams, Jeremy Renner, Bradley Cooper y Jennifer Lawrence. No necesitaba este casting, me temo, aunque ayuda mucho a esta película tener a tales estrellas con ese nivel de compromiso por la película; y el producto, más allá de las actuaciones, considero sobrevalorado. Es relevante indicar la transformación corporal de Christian Bale (que pierde y gana peso como lo desea) y el aroma a ridículo que emite, en una actuación donde desaparece el actor. Amy Adams que es sutil en su doble papel y Jennifer Lawrence como lo que más brilla de la película en su neurosis y agresividad pasiva. Es relevante hablar del vestuario, diseño de producción, maquillaje y peinados porque la película logra eficientemente transportar al expectador a la época de los setentas con su estilo tan marcado y sugerente. Pero no es suficiente para hacer de la película una obra resistente al tiempo.

American Hustle es una película lenta, sin un pico y un desenlace importante, como un placer frustrado. Otra vez veo que algunas películas alcanzan fama en las temporadas de premios por opiniones más que por la calidad del filme. No quiero confundir, tecnicamente es una buena obra, con una fotografía, banda sonora, diseño de producción, vestuario, maquillaje, actuaciones destacadas; sin embargo la película es como un nevado de torta que nunca levanta, como un día nublado que nunca se aclara. Es, como he dicho en otros momentos, una película para críticos y no para la gente común.

Creo que David O. Russell es un director que está sobrevalorado, o simplemente no es compatible con mis gustos. El año pasado, Russell presentó Silver Linings Playbook, una comedia romántica (muy estándar según mi criterio y sin nada relevante, mas que las actuaciones) y terminó siendo adorado por la crítica y cubierta con laureles. Este año sucede lo mismo, y en este caso se puede decir que no es suficientemente dramática, irónica, sarcástica, cómica o filosófica para ser una gran película. La juzgo tibia, con acentos en su técnica. Es una película fácil de olvidar, pienso como veredicto.

Mi calificación: 10 de 20. Le diría a David O. Russell:  “no eres tú, soy yo”.

Dallas Buyers Club

La homosexualidad (y la transexualidad) han sido tabú en las sociedades occidentales. Lamentablemente, ese tabú religioso y social se incrementó por la aparición del “cancer gay”, nombre que le fue dado al HIV/SIDA en los ochentas y noventas. Dentro de cuarenta o cincuenta años estoy seguro que la represión y exclusión a la que han sido sometidos los homosexuales, transexuales y otros será tan repudiada por la sociedad como hoy lo es el racismo y el segregacionismo racial, como ahora es repudiada la esclavitud y la opresión de algún tipo. Dallas Buyers Club intenta, de alguna manera, superar ese esquema mental contra la homosexualidad, contando la historia real de Ron Woodroof, que logró defender y comprender a la comunidad homosexual desde que contrajo SIDA y vió la dificultad médica de ser tratado en el comienzo de la epidemia.

Dallas Buyers Club poster.jpgWoodroof, un homofóbico de clase trabajadora que tiene sexo sin protección en múltiples ocasiones y con múltiples  mujeres, que además consume drogas por distintas vías, es diagnosticado con VIH/SIDA avanzado, y descubre, sin ser gay, el rechazo y exclusión de la comunidad homosexual. Acorralado por la prognosis de su diagnóstico que le daba 30 días de vida, Woodroof recurre a sobornos para obtener AZT, un medicamento antiretroviral, y luego, desde su desesperación, es conducido a un doctor sin licencia que cambia su medicamento por uno que no es tan agresivo como el AZT que no es comercializado en USA. Woodroof ve en el medicamento, con su mejoría, una oportunidad de enriquecerse y decide venderla a los pacientes en USA, importándola para su “uso personal”. Así funda el Club de Compradores de Dallas, como una respuesta al tratamiento agresivo y experimental que se usa en los hospitales, y comienza un enfrentamiento con las autoridades médicas del país.

Lo interesante de esta película, más que la historia del hombre con SIDA, es el análisis de la moralidad del personaje, que se convierte en un héroe de la comunidad al vender un medicamento que comercia ilegalmente para enriquecerse, en un principio, y ver como su lucha evoluciona al conocer el valor de la comunidad en la que ahora se desenvuelve. Lo interesante es ver su relación de amistad con Rayon, una joven transexual que conoce en el hospital, y como pasa de tratarla con repulsión a sufrir por el devenir la de la enfermedad de su nueva amiga. Un viaje del personaje a través de un cambio de actitud y percepción de la igualdad, la amistad y la muerte, que lo rodea. El cambio de su ambición personal por un deseo de ayudar a la comunidad, que condujo a la Agencia de Alimentos y Medicinas de Estados Unidos a considerar el uso de medicamentos complementarios.

Con una fotografía tambaleante, la película muestra el estado de salud delicado de Woodroof y de Rayon y su condición sicológica y emocional, con saltos a los recuerdos borrosos y confusos, como el de alguien atormentado o vencido por la enfermedad. Sin embargo, la película es mas grande por sus actuaciones que por su trama. No entiendo mucho los motivos que llevaron a esta película a ser considerada una de las mejores del año, porque más alla de su tema, tratado con justicia, y las actuaciones de Matthew McConaghey y Jared Leto que son geniales, la película es en momentos aburrida y bastante lenta.

Lo mejor: La actuación de Jared Leto como Rayon. Genial.

Mi calificación: 14 de 20. Bueno el tema y buenas las actuaciones, pero no es la mejor película del año y no es tan impresionante.

August: Osage County (Agosto en el Condado Osage)

 

August: Osage County es una puesta en filme de una obra de teatro y mientras la ves, entenderás que es así. Es una comedia negra, por escenas, de la decadencia de una familia cuando uno de sus miembros es tóxico, manipulador y cruel. La película está dirigida por John Wells, mas experto en la televisión que en el cine, sin embargo la dirección es suficiente para este drama familiar. Cuenta con actuaciones increíbles de Meryl Streep, Julia Roberts, Ewan McGregor, Abigail Breslin, Juliette Lewis, Benedict Cumberbatch con papeles que parecen haber sido hecho a la medida para cada uno de ellos.

August: Osage County sigue la vida de una familia matriarcal controlada por Meryl Streep, que se reune luego de la desaparición (y posterior muerte) de su esposo, durante un agosto muy caluroso en el condado Osage. Esta reunión destapa la realidad de esta familia en una cena de funeral, donde el personaje de Meryl Streep descarga sus remordimientos y demonios personales con ataques a sus tres hijas que, como es de esperar, son completamente diferentes de carácter y personalidad. El personaje de Meryl, Violet, sufre de cancer en la boca, como un castigo divino que incrementa la ironía de su crueldad y de su verbo hiriente y despreciable. Las hijas se enfrentan a su madre, cada una a su manera, y la obligan a desintoxicarse de su grave adicción a los calmantes, lo que lleva a un segundo enfrentamiento, esta vez más sutil.

Creo que uno de los fuertes de esta película es mostrar que toda familia está construida sobre la dura verdad de que la casualidad los une. Personas tan diferentes en intereses y necesidades no deberían estar juntas y, paradójicamente, permanecerán unidas para siempre. El amor, claro está, es mas fuerte que las diferencias en muchos casos, excepto en esta película, donde la codicia y egoísmo de Violet ayuda a destruir el inestable núcleo familiar que ella rige.

Dramas personales de diferentes naturalezas componen a este filme. De alguna manera, August: Osage County ataca el mismo tema que Blue Jasmine aunque con un acercamiento diferente, divagando entre la locura, la codicia y el egoísmo que destruye familias. Sin embargo, el enfoque aquí es mucho menos limpio, más caótico y muy amarillista en el drama, aprovechando un conjunto de conflictos simultáneos que revientan a la vez. Simplemente, no hay descanso del caos, y lamentablemente, los personajes no son suficientemente llamativos para sentirse identificado con ellos. Creo que es la mesa donde se sientan y los gritos que se disparan de desprecio y molestia lo que hace alejarse de este caos y de sus personajes.

Con una fotografía que encierra a los personajes en cada escena, encajonándolos, el efecto es de claustrofobia en cada escena, aún en las que ocurren al aire libre. Y con el sometimiento y abuso de Violet, la claustrofobia es peor. Acaso intencional el alejamiento emocional del espectador, esto falla sobre el efecto que debe producir, conduciendo a una observación de la película como una puesta en escena evitando envolverse en la trama. No creo que sea culpa de los actores, que entregaron interpretaciones de calidad, sino del director y del guión, inclusive de la edición, que no lograron suavizar las esquinas de la caja que envolvía a esta familia. Es un mal viaje, un mal paseo en mi opinión personal.

Lo mejor: Las actuaciones, definitivamente, son lo que más hace brillar a esta película que, extrañamente, quisiera olvidar.

Mi puntuación: 12 de 20. El caos hay que administrarlo con mas cuidado.

Blue Jasmine

Una película de Woody Allen, uno de los escritores/directores/productores más polémicos de la actualidad. Una película donde Allen decide explorar la locura a través de giros de trama. Una película para que Cate Blanchett llegue a la gloria. Muchos la tildan de drama, yo la ví como comedia, y muy negra. Una película divertida y enferma, como todas las de Allen.

Jasmine, interpretada por Cate Blanchett, es una mujer de las altas clases sociales de Manhattan que queda arruinada (por motivos que van revelándose progresivamente en la película) y debe mudarse a la casa de su hermana que, por cualquier medida, es de clase media baja. Jasmine, luego de un conjunto de situaciones impactantes y por el trauma de haberlo perdido todo, ha enloquecido de forma apreciable. Constantemente se aisla en su pasado, reviviendo las escenas de su pasado, los diálogos y pierde la conexión con la realidad. Su locura no le quita su sentido común, aunque su pretenciosa y pedante visión de la nueva sociedad que la rodea es por momentos insoportable y por momentos graciosa, decide recuperar parte de su estatus perdido ya con un plan que parece plausible, estudiando y trabajando y aprendiendo a servir mientras tanto. Su ambición es su pérdida, o eso muestra Allen, que la hace jugar con el destino deseado para perderlo por su manipulación y locura. Otras películas de la temporada ya presentan temas similares. Wolf of Wall Street discute problemas de la ambición y August: Osage County describe como la ambición es el camino más corto a la anihilación y soledad. Sin embargo ninguna la presenta con la precisión de Woody Allen y la actuación impecable de Cate Blanchett.

An elegant blonde blue eyed woman, sunglasses on her head, looking to the left.Cate Blanchett es la piedra sobre la que se hizo esta película. Sin ella, Blue Jasmine sería una película más, pero con ella, alcanza los niveles de la genialidad. La mirada vacía y la locura tomando posesión de Cate es tan real que permite envolverse completamente en la narración. La obsesión con las pastillas, sus ataques de pánico, su ambición y egoísmo son perfectamente plasmados en pantalla por su excelente actuación. Me temo que el Oscar de Sandra Bullock por Gravity está discutido, y si alguien puede quitárselo esa es Cate Blanchett.

Lo mejor: La actuación de Blanchett, para disfrutar desde la primera escena, literalmente, hasta la última. Perfecta.Tambien debo decir que las capas de la historia de la vida de Jasmine y como se van removiendo para entender la razón de su locura son de lo mejor

Mi calificación: 16 de 20. Otra película de Woody Allen excelente.

12 years a Slave (12 años de esclavitud)

 

El tema de esclavitud, aunque injusto y muy repudiable, produce un impacto muy grande en Estados Unidos. Es políticamente correcto repudiarlo, todo el mundo se siente en la necesidad de comentar acerca de él y termina resonando con mayor fuerza de la que en realidad debería resonar. No quiero decir que la película 12 años de esclavitud sea mala, todo lo contrario, sino que no la considero la joya del cine que muchos indican.

12 años de esclavitud cuenta la historia (real pero adaptada al cine, por supuesto) de Solomon Northup, un negro libre (en Estados Unidos antes de la guerra civil) que es secuestrado y vendido como esclavo y todas las horribles cosas que debe ver antes de ser liberado. Los negros esclavos en Estados Unidos pasaron muchos años horribles, con una existencia que creo que no valía la pena. Steve McQueen, el director genial de esta película, es negro pero tiene una narración distinta porque no es estadounidense sino inglés, lo que le da otra dimensión al dolor que se observa.

12 Years a Slave film poster.jpgLa película describe como el alma libre es aprisionada por la esclavitud, y como la libertad es ahogada por la supervivencia. Solomon se rinde, parece, antes del final, lo que es desgarrador. Observar como la humanidad se despega de un ser humano es terrible. Una edición increíble logra atrapar esos vestigios de humanidad en un ser disminuido, esos recuerdos, de manera genial. La iluminación es increíblemente realista, y mejora el efecto de la narración. Sin embargo, mas allá del tema la historia es lenta y en partes aburrida, y no creo que sea tan relevante en Venezuela, donde hay otros dramas históricos más grandes que la esclavitud que obviamente ha pasado sin dejar grandes diferencias en la población (no digo que no exista alguna forma de racismo, pero en Venezuela no hay segregación patente en el color de piel, por lo menos en mi experiencia de vida, siendo yo negro).

Es una buena película. Creo que la más introvertida de todas las de este año, aunque Gravity es un viaje personal interno. La banda sonora de Hans Zimmer es accidentalmente muy parecida a la de Inception (tambien compuesta por él) y creo que no llega a mejorar el producto. Creo que aunque el tema de la esclavitud es universal, su impacto no lo es tanto.

Lo mejor: Es difícil elegir algo que resalte de la película que es prácticamente lineal en su tono y narración pero supongo que el renacer de la esperanza en Solomon y la desesperanza de los demás esclavos hacia el final de la película es lo mas interesante.

Mi calificación: 14 de 20. Me aburrí en muchos momentos, y creo que en partes es efectista.

The Wolf of Wall Street (El lobo de Wall Street)

 

La mejor manera de tratar el tema de la codicia y la corrupción asociada al dinero, para Martin Scorsese, fue elegir el género de la comedia. No es una elección muy humanitaria, me temo, porque las víctimas de los esquemas de estafas nunca están muy felices con la ruina a la que son sometidos por los responsables de tales acciones. Sin embargo, como describe Scorsese, muy pocas veces están, estos responsables, arrepentidos de haber estafado. Es más, entiendo que ellos esperan vivir para siempre sin ser atrapados, rodeados de abogados y viendo los orificios de las leyes que los persiguen.

A man in a suit with a big smile on his face. Behind him a chaotic office scene.En este contexto aparece Leonardo Di Caprio como Jordan Belfort, un corredor de bolsa de Wall Street que recurre a las drogas, el alcohol y una vida bastante caótica y llena de excesos como resultado de la increíble riqueza que amaza en poco tiempo. Rodeado de sus amigos y socios, hace millonarios a muchos a través de una moral cuestionable y recurriendo a delitos increíbles. Leonardo Di Caprio interpreta genialmente a este personaje insaciable y de baja calaña con gustos exóticos. La película es genial, no se confundan, y sus personajes son divertidos y uno termina encariñándose con ellos, sin embargo ese cariño es cuestionable porque pedir la victoria de tales seres es condenar a la humanidad menos ambiciosa. La película está llena de interpretaciones personales de los eventos reales ocurridos (y su comparación, lo que lleva a los mejores momentos de comedia en este filme) y tiene un ritmo y una trama que hacen olvidar que su duración es de casi tres horas.

Scorsese con esta película, siguiente a Hugo, logra demostrar que es un experto director, que puede atacar casi cualquier género de manera excelente. Esta película es distante en narración y trama a Pandillas de New York, Los Infiltrados, La Isla Siniestra y todas las anteriores que ha producido y dirigido, y en cada una de ellas ha tenido control sobre la narración, la fotografía, el tono y el producto en general que busca. El Lobo de Wall Street tiene, increíblemente, momentos muy cautivadores, personajes muy llamativos, y situaciones excelentes y divertidas. Considero que aunque todos los actores son geniales, el personaje de tía Emma es el más interesante que he visto en muchos años en el cine, con dimensiones increíbles a pesar de los pocos minutos que pasa en escena.

En definitiva, El Lobo de Wall Street es una película cautivadora, satírica y muy divertida que recurre al sexo, drogas y delitos para narrar la vida cuestionable de quienes destruyen a la sociedad.  Solo le critico que Leonardo Di Caprio se ve muy viejo para la edad sugerida en la película entre 22 y 27 años.

Lo mejor: La escena del cierre. Una escena sugerente y milimétricamente planeada, capaz de conmover y demostrar el magnetismo de su protagonista.

Mi calificación: 16 de 20. Es una de las mejores películas de este año, aunque entiendo que no es para todos los gustos.

viernes, 21 de febrero de 2014

The Ender’s Game

 

El juego de Ender es una adaptación de un libro de ciencia ficción. Aunque la película presenta a muchos niños en pantalla todo el tiempo (inclusive, el protagonista Ender es un niño), no caigas en la idea de pensar que es una película para niños. Es una obra de ciencia ficción desoladora, increíblemente poderosa y muy original, que lamentablemente no gozó de la apreciación de las academias.

No es que una película necesite ser premiada para ser buena. Puedo nombrar miles de películas geniales y que no han recibido premios de las grandes academias (si lo dudas, piensa en V for Vendetta, The Prestige, Batman Begins, entre otras) sin embargo ver una película con este tema y estas actuaciones como los del Juego de Ender es observar los defectos de muchos sistemas de premios, lo cual es tema de otro post.

Ender's Game poster.jpgEl juego de Ender trata de una guerra fría: hace muchos años la humanidad sobrevivió una invasión extraterrestre de unos “insectoides” y, ya reconstruidos, desean evitar que un nuevo ataque de la especie alienígena ponga en jaque a la existencia humana. Los alienígenas han incrementado su número y su potencial de guerra con un crecimiento exponencial no contenido, pero, extrañamente, permanecen en paz con la humanidad. La tensión entre la humanidad y esta raza es increíble porque su número amenaza a la existencia humana. El ejército de la Tierra ha recurrido a la mente de los niños y jóvenes para planear el ataque y el comando de las fuerzas humanas, quizas implicando algún tipo de programa genético los niños son capaces de asimilar y procesar gran cantidad de información y coordinar un ataque estratégico con más eficiencia.

Aquí entra Ender. Un niño que respira estrategia. Cada escena de la película es un movimiento de Ender por dominar, controlar y vencer a sus oponentes. De manera muy sutil, Ender es sugerido, luego del fracaso de sus hermanos mayores en alcanzar la meta, como el posible comandante de las fuerzas armadas terrestres, y debe superar el entrenamiento para demostrar su habilidad. Sus relaciones personales son parte del ajedrez que juegan, y que en cada escena Ender gana. Ender es capaz de entender a sus enemigos entendiendo como piensan, y en ese momento, como él mismo indica “los ama” como se aman a sí mismos. Una vez entendidos, ya no son un reto para él. No quiero dar más detalles de la trama, pero el problema se complica en las simulaciones que debe superar hasta llegar a un nivel muy difícil de asimilar. Una acción muy emocionante, unas situaciones muy tensas y una banda sonora capaz de transmitir la sensación de urgencia de la historia.

Ender, perfectamente interpretado por Asa Butterfield (protagonista de Hugo)  fue bien dirigido por Gavin Hood, un director sudafricano que no tiene mucho en su carrera que lo haga relevante hasta esta película, llena de efectos especiales de gran poder y muy sugerentes. De resto, todos los niños son excelentes en sus papeles, especialmente Hailee Steinfield que ya fue nominada al oscar por True Grit. Ben Kingsley, Viola Davis y Harrison Ford completan el casting. Es, The Ender’s Game, una de mis películas favoritas del año, algo que no esperaba.

Lo mejor: La batalla final y sus consecuencias. Debes verla para no hacer más spoilers.

Mi calificación: 17/20. Y que lástima que no barrió la taquilla internacional. Hay algunas películas que hablan directamente al corazón de algunos espectadores como esta en mi.

Frozen

 

Una historia de princesas. No es la clásica historia de princesas, porque aquí ambas saben que lo son y, al inicio, nadie cuestiona su derecho al trono. Sí, ambas, porque son dos princesas. No, no se odian y no se quieren destruir mutuamente. Es más, es increíble que durante una longitud considerable de la película el antagonista no desea la destrucción de ninguna, es más, durante una parte considerable de la película no hay un antagonista material. Disney afrontó el reto de hacer una historia novedosa que atacara una trama más allá de la madrastra mala que quiere quitarle todo a la princesa, algo que antes había ejecutado sin mucha eficiencia en Tangled. No hablemos de Wreck It Ralph porque es la misma historia de princesa que quieren destruir para tomar su reino.

Lo interesante de Frozen es que es la primera película de Disney de los últimos años que habla fuerte acerca de la relación de hermanos, un tema que debió haber sido atacado antes con este enfoque. La relación filial es agradable y bonita, a excepción del motor de la trama que es la incapacidad de una de las princesas de controlar su poder infinito sobre el hielo y que trae desgracia y dolor para las hermanas y para toda la población. Lamentablemente, aunque la ejecución de la película es muy buena, hay unos errores en la resolución de la trama: luego de todas las complicaciones una sola frase es suficiente para superar las dificultades, lo cual me parece muy brusco. En vez de resolver el problema real, resuelven uno que es una consecuencia y eso conduce a un “momento inspirador” que resuelve el problema central, cosa que me parece muy simple para la trama. Sin embargo no todos los niños y niñas (para los cuales fue explícitamente hecha esta película) podrán notar. Un atajo a la resolución del problema no es muy estimulante.

Vuelvo a hablar del tema de la inexplicable aversión que he observado en muchos adultos y jóvenes de la actualidad respecto a Disney. Disney fue el conductor de la inocencia y juventud de muchos de los jovenes, estudiantes, emprendedores y profesionales que ocupamos los niveles mas poblados en latinoamérica. Fue con las películas de Disney (para algunos el Rey León, para otros la Sirenita o Bambi o Aladdin) que muchos vivimos la infancia. Ahora no entiendo por qué tanta gente habla mal del legado de Disney o como desprecian cosas como la compra de Marvel o Lucasfilms por Disney, cuando hay canciones de Disney, tramas, historias e imágenes que vienen a su mente al recordar su infancia. No hay nada más peligroso y poderoso que intentar educar a un niño, cualquier error puede terminar en una impresión imborrable de la mente de un ser humano. Disney tomó ese reto hace muchos años y la compañía sigue ese reto hoy. Cierto que no todas las producciones cinemátográficas de esta compañía son excelentes pero han hecho un esfuerzo, por más de medio siglo, de producir entretenimiento para toda la familia. Yo no tengo hijos, pero seguramente muchos de los que ahora reniegan de Disney volverán a acercarse al tenerlos.

Retomando el tema de Frozen, es una película agradable, con muchas canciones al inicio pero que a medida que la película avanza comienzan a desaparecer para llegar a un tema más sombrío y urgente. Una animación excelente y canciones muy conmovedoras, creo que es un refrescamiento al estilo de Disney.

Lo mejor: la banda sonora. Les dejo la canción Let It Go interpretada por Idina Menzel y nominada al oscar como mejor canción original.

Mi calificación: 14 de 20. La resolución de la trama real fue un atajo, luego del sacrificio del amor verdadero, de resto muy conmovedora.

Her

Soy fanático de la ciencia ficción como he indicado en muchas oportunidades en este blog (solo basta leer mis entradas acerca de Avatar, Inception, After Earth, Prometheus y Gravity entre otras para darse cuenta), pero creo que mi percepción en Her no está influida, o por lo menos no demasiado, por mi afinidad por el tema. Her es una película increíble, con un tema fascinante y con un acercamiento muy novedoso y una trama prácticamente imposible de ejecutar.

Her trata de la relación de Theodore (interpretado magistralmente por Joaquin Phoenix a quien le dejaron crecer un bigote) con un sistema operativo. ¿El Año? Indeterminado, pero en el futuro próximo, donde la moda requiere pantalones con tiro muy largo y bigote para los hombres (aún no se qué fue primero, si la necesidad de cubrir el labio leporino de Phoenix o el concepto de moda de la película, aún no se si hay alguna relación). ¿La premisa? Un nuevo sistema operativo ha sido puesto en venta, comercializado como “el primer sistema operativo realmente inteligente”. Theodore, instala su sistema operativo que despierta a la vida como la Rosa del Principito: observando la vida pero eligiendo ser seductora y muy femenina; elige su nombre, Samantha, y elige su voz en Scarlett Johansson (que completa al personaje del sistema operativo de manera perfecta). Lo siguiente es impensable, pero obvio: Theodore se enamora de Samantha pero, más sorprendentemente aún, Samantha se enamora de Theodore.

IMG_0928En un interesante experimento filosófico, Spike Jonze en la dirección de esta obra genial vuelve a hacer las preguntas mil veces preguntadas: ¿qué define el alma?, ¿qué es el amor? ¿qué es la identidad?. Samantha, un software impalpable, sin cuerpo y, curiosamente, sin una imagen mostrada en una interfaz, crece a una velocidad increíble y, como un niño, experimenta la realidad y el significado de las ideas en su crecimiento. Es una trama en dos tiempos: el tiempo de Theodore con sus complicadas relaciones interpersonales con sus amistades, amores y desamores, y el tiempo de Samantha de descubrimiento de su capacidad intelectual y del estudio profundo del mundo y del conocimiento y de la exploración de las emociones.

Bastará decir que Spike Jonze logra hacer una película notablemente nostálgica y con un tono de colores y emocional que es sugestiva y poderosa, intentando concentrarse en la simplicidad de las ideas y de las escenas. Creo que es una de las mejores películas del año, en un año que resultó tener las mejores películas de la década.

Lo mejor: la canción de la luna. The Moon Song. La dejo al final para que la disfruten, parte de la banda sonora de la película y nominada al oscar como mejor canción original.

Mi calificación: 18 de 20. Una película increíble. Yo siempre he pensado que es muy posible enamorarse de un sistema operativo. Ya lo he hecho (y no es de Apple, LOL).